На развитие дизайна в начале XX века огромное влияние оказал европейский художественный авангард. Благодаря ему на смену модерну пришел холодный и бессодержательный стиль формальных абстрактных конструкций. К европейскому авангарду начала XX века обычно относят такие направления, как абстракционизм, кубизм, футуризм (все три в Европе), конструктивизм (в России). Авангард стал революцией в искусстве, и это во многом было отражением революционных процессов, которые происходили тогда в Европе и России. Авангард стал поиском нового искусства для нового общества, переживающего революционные преобразования.
Фовизм. Анри Матисс был лидером фовизма. Мастер верил, что задача современной живописи – создавать усталому, духовно истощённому зрителю гармоничное окружение, отвлекать его от забот и беспокойств современного мира и помогать расслабиться. Матисс ценил идеалы единения человека и природы, его привлекали сплав инстинкта и разума, присутствующего в архаичных культурах.
Матисс добивался чистоты чувств, характерных для детского рисунка или примитивного искусства. Живопись Матисса стремится к предельной естественности настолько, что по сравнению с ней реальность выглядит настолько ущербной: ей не хватает живописности. Интенсивносить цвета становится у фовистов важнейшим художественным средством, призванным эмоционально воздействовать на зрителя. В живописи Матисса сочетания цветов находятся в некой гармонии «без правки», как, например, в его «Музыке» (1910), в картинах «Алжирка», «Марокканец» (1912), где синий, зеленый, черный цвета поданы художником прямолинейно, без оттенков и переходов.Художник всегда сохраняет изысканную оригинальность. Главное для него – гармоническое соотношение человеческих фигур и пейзажа, композиционное равновесие, воплощающие его мечты о золотом веке.
Контурная линия, которая виртуозно переводит изображение в декоративную композицию либо в орнаментальный узор, легкость и нежность колорита, умение создать настроение сосредоточенности можно увидеть в картине «Разговор».
Яркие ломаные линии отличают многие полотна Андре Дерена. Создавая свои залитые солнечным светом картины, Дерен размышляет над пластическим опытом Сезанна и необычайно притягательной, оригинальной поэтикой Матисса.
В Коллиуре Дерена особенно занимала проблема передачи цвета под воздействием южного солнца, «съедающего» тени. Светотеневую моделировку Дерен заменяет сопоставлением контрастных пятен красного, оранжевого, желтого, синего, зеленого цветов. Подобного упрощения художественных средств еще не знала европейская живопись.
Кубизм – первая ласточка авангарда. Его рождение связывают с именем Пабло Пикассо и работами, датированными 1907–1914 годами. Радикальным отступлением Пикассо от предшествующей художественной традиции был отказ от перспективы и иллюзии пространства, а с ними – и уход от предметности, содержательности живописи. Пикассо восстал против привычек человеческого зрения. Вместо перспективы – вывернутый на плоскости за счет геометрического «разложения» объект во всех его измерениях. Теперь мы видим объект целиком, однако он немедленно и странным образом начинает исчезать. Пикассо искал новых горизонтов видения через эксперименты с чистой формой. И потому кусочность и геометрическая нарезка его картин первым делом заставляют зрителя отказаться от привычки смотреть, и видеть предмет, привычные формы, а также повествование или сюжет, которые заставили бы зрителя испытать некие чувства. Пикассо нередко использует коллажи и задействует в них самые разнообразные материалы (всегда обычные и доступные) для моделирования иного, интеллектуального зрения. Смотрящий на его работы как бы обнаруживает (не без удивления!) различные модальности зрения кроме той, к которой он привык. Его визуальный опыт вдруг решительно расширяется. Возникает эстетический эффект «зримого ради зримого», «визуальности ради визуальности».
Кубизм (Cubism), модернистское течение в живописи 1-й четверти 20 века. Его возникновение относят к 1907 г. и связывают с творчеством Пикассо и Брака, в частности с картиной Пикассо "Авиньонские девицы", на которой изображены деформированные, огрубленные фигуры, а перспектива и светотень отсутствуют. Кубизм означал полный разрыв с реалистическим изображением натуры, преобладавшим в европейской живописи со времён Ренессанса.
Цель Пикассо и Брака - конструирование объёмной формы на плоскости, расчленение её на геометрические элементы. Оба художника тяготели к простым, осязаемым формам, незамысловатым сюжетам, что особенно характерно для раннего периода Кубизма, так называемого "сезанновского"сложившегося под влиянием африканской скульптуры и работ Сезанна. Мощные объёмы как бы укладываются на холст, цвет усиливает объём.
Следующий период (1910-1912 гг.) называют "аналитическим": предмет дробится на мелкие грани, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте, цвета как такового практически нет (Брак "В честь И.С. Баха", 1912 г.).
В последнем, известном как "синтетический" Кубизм, картины превращаются в красочные, плоскостные панно (Пикассо "Харчевня", 1913-1914 гг.), формы становятся более декоративными, в рисунок вводятся буквенные трафареты и различные наклейки, образующие коллажи. В этой манере вместе с Браком и Пикассо пишет Хуан Грис.
1-я мировая война положила конец сотрудничеству Брака и Пикассо, однако их творчество оказало большое влияние на другие течения, в том числе на футуризм, орфизм, пуризм и вортицизм. Влияние кубизма в изобразительном искусстве продолжалось до 1960-х годов.
Орфизм. В недрах кубизма в 1912- 1913 годах сформировалось оппозиционное течение, которое благодаря поэту Гийому Аполлинеру, получило название «орфизм». Создателей его – художников Роббера Делоне и его жену Соню Терк-Делоне увлекала работа с абстрактным цветовым ритмом. Хотя Супруги Делоне и использовали в построении пространства картины принципы кубизма, они создали свой художественный язык, в котором приоритетное значение приобретал цвет. Живописные концентрические «солнечные круги», составлявшие основу многих их композиций, были очень динамичны, а тонкости созвучий цвета, буквально пульсирующего в их картинах, казалось, издают звуковые вибрации. Делоне в своих картинах, как и кубисты, дробит формы на грани, состоящие из треугольников, трапеций и других геометрических фигур. Как и футуристы разрушает форму предметов. Цвет у него наполнен символическим значением, что сближает орфизм с экспрессионизмом. Этот музыкальный ритм цвета и формы и дал основание для названия течения. «Орфизмом» Аполлинер назвал новое течение в живописи по аналогии с именем древнегреческого певца Орфея, голосу которого подчинялись даже силы природы. Цвет у Делоне приобретает и композиционное назначение. Как и многие художники-модернисты – Роббер и Соня Делоне занимались изучением проблем оптического восприятия, их поиски натолкнули художников на идею создания живописных композиций в основе которых – кругообразные поверхности и плоскости. Они словно создавали разноцветную бурю, наполняя динамикой все пространство картины. Такой интенсивный цветовой ритм вызывал эмоциональный отклик у зрителей. «Орфизм» активизировал формирование беспредметных цветовых поисков в дальнейшем развитии европейской живописи.
Одним из первых произведений орфизма были композиции, напоминавшие цветные диски, яркие цветовые переходы этих концентрических кругов придавали всей композиции необычайную энергию. Для художников эти пульсирующие концентрические круги были символами космической энергии. Соня Терк- Делоне – удивительно многогранная художница с яркой творческой индивидуальностью. Она создала свою концепцию синтетической «синхронной» живописи, которую Терк-Делоне соотносила с музыкой. Она стремилась к раскрепощению цветовой экспрессии. Кажется, что художникам – орфистам хотелось бы вернуться к первобытному синкретизму в восприятии мира. К такому мировосприятию, когда аналитическая составляющая мышления людей была еще не так сильна, и мир звучал красками, а человек все ощущения воспринимал как единую мощную полифонию прекрасного мира. Впрочем, как ощущал мир первобытный человек, нам все равно не известно. Но то, что художники модернисты, отталкивая наследие европейской живописи, обращали особое внимание на искусство народов Африки, Полинезии, Японии и там искали новые идеи – это факт. Но вернемся к творчеству Сони Делоне. Особую популярность художнице принесла её работа в театре. Они делала эскизы костюмов и декораций для дягилевских сезонов в Париже. Особенно удачными считались её эскизы костюмов и декораций к балету «Клеопатра». В живописи Соня Делоне продолжает исследование мужа, анализируя цветовые переходы, их влияние на восприятие картины, и идет дальше по пути синтезирования пространства с помощью цвета, яркий пример её творческих поисков – картина «Электрические призмы». Эти эксперименты найдут продолжение в работах художников геометрической абстракции. Кроме супругов Делоне к орфизму какое-то время примыкали художники Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел. Как художественное объединение орфизм просуществовал недолго и каждый из этих талантливых художников далее нашел свой собственный путь.
Трубизм. Фернан Леже, которого в мастерскую Пикассо в 1908 г. привел Канвайлер, разработал свое направление. В ранний период «лирического кубизма» он использовал минимальные перспективные построения и «трубчатую» трактовку форм («Обнаженная в лесу», 1910). Ему хотелось уподобить элементы натуры промышленным механизмам или образцам военной техники. Так, в композиции «Солдаты, играющие в карты» (1917) Леже трактует руки, как стволы, шеи, как лестницы и обоймы. Его «трубизм» создавал ансамбли таких форм, как стволы орудий, цилиндры, конусы и т. п. Сам художник называл это «реализмом концепций», а не «визуальным реализмом». Леже говорил: «Я не копирую машины, изобретаю образы машин, как другие пишут пейзаж».
