Проблемою у дослідженні античної музики є те, що за величезний відрізок часу – від V століття до Р.Х. до III століття по Р. Х. – до нас дійшли лише одинадцять зразків (деякі в якості фрагментів) давньогрецької музики, які збереглися в нотації того часу. Яскравим прикладом є Дельфійський камінь, на якому висічений гімн Аполлону.
Це перші записи мелодій в Європі, за якими можна, принаймні мінімально відтворити хід розвитку давньогрецької музичної культури та скласти уявлення про вподобання античної епохи.
Чітко також простежується синкретичність із іншим видами мистецтва – поезією (лірикою), театром, танцем.
Хоровий склад був одноголосий, співали в унісон. В професійній музиці надавалася перевага чоловічим хорам.
Музика головним чином була вокальною. Основне призначення інструментів полягало у супроводі співу, який дублював вокальну мелодію. (Розеншильд К.К. «История зарубежной музыки. Выпуск 1». Государственный музикально-педагогический имени Гнесиных. Кафедра истории музики).
Найдавніші з нотних записів датуються III-II тис. до Р.Х.
Цікавим також є запис цих нот. Наприклад, на Дельфійському камені з гімном Аполлону музична нотація виконана строкою окремих символів, а над нею містяться вже текстові записи.
Мелодія записувалася в основному за допомогою грецьких та фінікійських букв.
Всі відомості про виникнення в стародавній Греції математичного вчення про музичну гармонію, що дійшли до нашого часу, виразно пов'язують це явище з ім'ям Піфагор Самоський (570-497 до н. Е.).
Подальший розвиток вчення про числову природу гармонії стало справою інших членів піфагорійської спільноти, серед яких у різний час виділялися Гіппас Метапонтський (початок V ст. до Р.Х.), Филолаю з Кротона (бл. 450 - бл. 390 р.р. до Р.Х.) і архіт з Тарента ( бл. 430 – 350 р.р. до Р.Х.).[1]
«Досконала система» греків складалася з послідовності чотирьохзвучних мелодичних звукорядів – тетрахордів.
Грецькі письменники говорили про «сум лідійського, піднесеність фрігійського та войовничість дорійського ладу».
Музичне мистецтво у греків культивувало головним чином вокальні жанри та форми.
Пісні і танці
- Трудові пісні
- Пастуші пісні
- До VI століття до Р.Х. всі вірші співалися
- До класичного часу поезія і музика існували як єдине ціле
- Гімни богам (гімн богу Аполлону)
- Поховальні скарги
- Гіменеї (писала Сапфо)
- В Афінах національним інструментом вважалася флейта
- Прасодії - пісні, що свучали під час святкової процесії
- Танець «Журавель» зображений на щиті Ахілла.
- Танки, хороводи.
- Танець серед вткнутих в землю (вістріям вверх) ножів
- Танець на гончарному колі.
Якщо говорити про музичні інструменти Давньої Греції, то вони постануть перед нами в усьому своєму різноманітті.
Грецькі боги виступали творцями музичних інструментів.
Варто розпочати із флейти Пана, або як її ще називають – сирінга. Це дерев’яний духовий інструмент, що складається із багатьох пустотілих трубок різної довжини. Нижня частина цих трубок закрита, а верхня – відкрита.
Наступний інструмент – авлос – духовий музичний інструмент що є попередником гобоя, можливо був взятий із Малої Азії. Він вважався інструментом, чий звук та тягучий мелос хвилює людину, пробуджує в ній страсні почуття.
Кіфара – давньогрецький струнний щипковий інструмент, одна з найважливіших та найрозповсюджених різновидів ліри. На ній грали практично в усій Греції. При виконанні музичного твору кіфаред прижимав корпус до грудей правою рукою, лівою ж перебирав струни – числом від чотирьох і більше.
Ліра - згідно з міфом була виготовлена Гермесом з панцира черепахи і подарована Аполлону. Мала плоский округлий корпус зі шкіряною мембраною, від 3 до 11 жильних, кишкових, лляних або конопляних струн. Ліра як носій культу Аполлона протиставлялася духовому авлосу, пов'язаному з культом Діоніса.
Формінга — найдавніший струнний інструмент давньогрецьких співаків, схожий на ліру або кіфару. «Дух свой насытили мы для всех одинаковых пиром, Также формингою звонкой, цветущею спутницей пира …» (Гомер. «Одіссея». (Песнь Седьмая, 95))
Що характерно, Платон доволі критично відносився до інструментальної музики, стверджуючи, що вона більше принадна для швидкої ходьби або до відтворення звіриного крику. «Застосування окремо взятої гри на флейті і на кіфарі заключає в собі щось у високому ступені, що має повну відсутність смаку і гідне лише фокусника» Платон. «Законы». Эпоха архаики знала также хоровую лирику, в которой стихи были лишь одним из трех элементов: поэзия, музыка, танец. Начало греческой музыки скрыто во тьме веков и во мраке легенд. Не зачинателями считались герои мифов: Орфей, его ученик Мусей, Лин, Амфион. Задолго до того, как древнейшие обитатели Эллады стали пользоваться простыми музыкальными инструментами, изображенными богом Гефестом на щите Ахилла в «Илиаде», фракийские, аркадские и беотийские пастухи уже напевали нехитрые песенки, основанные всего на нескольких звуках. Затем, как гласит миф, бог Гермес изготовил первую лиру и отдал ее своему брату Аполлону. Лира предназначалась только для аккомпанемента, вторя голосам певцов, и имела четыре струны. Постепенно число струн увеличилось, и примерно в VII в. до н.э. возникла уже семиструнная лира. Греческая традиция приписывала это усовершенствование инструмента известному музыканту Терпандру с острова Лесбос, ставшему организатором музыкальной жизни в Спарте. Дальнейшее совершенствование лиры привело к появлению кифары: ее целиком изготовляли из дерева, она была по размеру больше лиры и звук давала более сильный.
Между тем уже с древнейших времен в средиземноморском регионе, особенно в Малой Азии, был в ходу другой инструмент, духовой, — «аулос», ошибочно называемый флейтой и напоминающий больше нынешний кларнет. Поначалу греки относились с некоторой настороженностью к инструменту, куда менее, чем лира или кифара, пригодному для аккомпанемента при рецитациях. История греческой музыки — это в каком-то смысле история непрестанного противоборства влияний, собственно эллинских и восточных, борьба божественного кифареда Аполлона, покровителя музыки дорической, диатонической, величественно-спокойной, олимпийской, с Марсием, «варварским» флейтистом. И хотя в мифе Аполлон одерживает верх над Марсием, в действительности победа досталась флейте, а вместе с ней азиатской музыке, музыке страстной, неистовой, бурной.
Греки издавна называли композицию серьезного характера, для одного инструмента или для сопровождения певческих партий на лире или на флейте, «номос». «Номос» для кифары был создан и усовершенствован Терпандром с Лесбоса, Лисандром из Сикиона и другими известными античными музыкантами. Аулетика, композиция для флейты, была принесена из Фригии, которую древние считали колыбелью инструментальной музыки. История флейты сохранила такие имена, как Эвмолп, Ягнис и Олимп, но мы знаем также, что крупными мастерами аулетики были Полимнест из Колофона (VIl в. до н. э.) и Саккад из Аргоса (VI в. до н. э.). Понятно, что новая музыка освящала собой прежде всего религиозные торжества. Музыке, хоровому пению уделяли тогда огромное внимание во всех греческих полисах, не исключая и Спарты. Но наибольшее развитие «номос» получил в Дельфах, где стали проводиться даже особые музыкальные состязания — для композиторов и исполнителей кифарного «номоса». Тут впервые прозвучал пифийский «номос» в честь победы бога света Аполлона над драконом, или змеем Пифоном, — произведение Саккада из Аргоса, считающееся шедевром греческой музыки.
Ни полифонии, ни гармонии в нашем понимании греки не создали: музыка их была в основном монодической, т. е. одноголосной. Если певец аккомпанировал себе на каком-либо инструменте, то сопровождение шло в унисон с пением или в той же октаве. Сами инструменты звучали слабо, а звуковой диапазон был очень ограниченным. Но зато поразительной чертой греческой музыки было необычайное соответствие музыкальной формы форме словесной, прекрасно развитая ритмика. Характерно и то, что греческий музыкант начинал с самого высокого тона, стремясь затем достичь тона низшего.
В тот же период архаики была открыта музыкальная запись. Она была довольно сложной, причем вначале научились записывать инструментальную музыку и лишь позднее вокальную. Эти две системы записи заметно различались между собой. Использовались буквыгреческого алфавита, которые, однако, нужно было еще приспособить для передачи звуков музыки. Приходилось вводить дополнительные знаки, например перевернутые буквы, и т. п. Так как огромное значение имел ритм, была выработана особая система обозначения кратких и долгих интервалов.
Подобно тому как в основе ионийской и эолийской лирикилежало пробуждение и выделение творческой индивидуальности, заметное в культуре и общественной жизни островов Эгейского моря и городов Малой Азии, хоровая лирика, наиболее распространенная у дорических племен, отражала черты коллективистского бытия, столь разительно отличавшего дорическую Спарту от многих других греческих полисов. Спарта и стала центром развития хоровой музыки, где с давних пор во время праздника гимнопедии — летних торжеств в память павших героев —хоры нагих юношей и девушек показывали свое искусство в пении, танцах и гимнастических упражнениях. Известны имена нескольких создателей хоровых песен: Фалес из Гортины. Ксенодам с острова Кифера, Ксенокрит из италийских Локр. Большой вклад в дальнейшую историю хоровой музыки внес поэт Алкман, автор знаменитых «Парфений» — девичьих песен. Уже у него появляется характерная для греческой хоровой поэзии трехчленная строфическая композиция, состоящая из строфы, антистрофы и эпода. Композиция вела свое происхождение от древнего религиозного ритуала — торжественной процессии вокруг алтаря, на котором совершались жертвоприношения. Строфа и антистрофа совпадали по ритму и мелодии, эпод же несколько отличался от них, и вся триада многократно повторялась с определенной частотой, причем строфическая конструкция не зависела от грамматических пауз в тексте. Содержание хоровых композиций Алкмана составляли восхваления бога. но поэт мог привносить и «субъективные» элементы: славить красоту хористок, шутить, говорить о самом себе, «всепожирающем Алкмане, любителе спартанских блюд». Щедро рассыпает он похвалы хористкам: Милые девы, певицы прекрасноголосые!
Больше ноги меня уж не держат.
О, если б мне быть зимородком!
Носится с самками он над волнами, цветущими пеной,
Тяжкой не зная заботы, весенняя птица морская.
Муза. приди к нам, о звонкоголосая!
Многонапевную песнь
На новый лад начни для дев прекрасных!
Одна из наиболее часто встречавшихся форм хоровой поэзии— дифирамб, песнь в честь бога Диониса. Другие виды песен: просодия, исполнявшаяся под аккомпанемент флейты; пеан — благодарственная песнь Аполлону, Артемиде или иным богам; гимн, который пели у жертвенника под звуки кифары; гипорхема — песнь, сопряженная с танцем. Были также эпиникии в честь победителей в состязаниях, пиршественные сколии, свадебные эпиталамии. Дифирамбы, распевавшиеся хористами, одетыми в козлиные шкуры, наподобие сатиров — спутников Диониса, отличались особой экзальтацией, пафосом, необузданностью и радости, и грусти; хоры «сатиров» с их дифирамбами Дионису положили начало будущей аттической трагедии. Художественную, литературную форму дифирамбу придали, как предполагается, Арион Метимнский, живший при дворе тирана Периандра в Коринфе, а затем Лас из Гермионы.
Выдающимся хоровым лириком VI в. до н. э. был Стесихор из Гимеры. Благодаря ему в хоровой поэзии стали чаще, чем прежде, использовать темы эпики, облеченные, разумеется, в новую метрическую форму. Представлявшие собой лишь фрагментарное переложение мифологических сюжетов, отдельных эпизодов, предпочтительно эротических, произведения Стесихора напоминали скорее баллады, чем собственно эпос, хотя на их прямую связь с эпической поэзией указывают их названия: «Разрушение Трои» или "Орестейя". Наибольшую известность в литературе получила его, как мы бы сказали, «ревизионистская», написанная на измененный старый сюжет, песнь о прекрасной Елене, которая, по Стесихору. не была причиной Троянской войны, ибо не сама она оказалась в Трое, но лишь ее призрак. Другой видный хоровой поэт того вре мени — Ивик из Регия. Жил он при дворе Поликрата на Самосе и в своих песнях восхвалял красоту мальчиков и юношей.
Наивысшего расцвета хоровая лирика достигла, однако, лишь на рубеже VI—V вв. и в первой половине V в. до н- э. Великолепием языка, глубиной мысли, богатством ритмики в стихах и инструментовке выделялись тогда Симонид с острова Кеос, его племянник Вакхилид Кеосский и Пиндар из Фив. Самый старший из них, Симонид, переезжал от одного тирана или монарха к другому, побывав и при дворах фессальских властителей, и во дворцах Сицилии, и на афинском Акрополе в гостях у Писистра.гидов, вместе с Ласом из Гермионы, По-видимому, он играл и какую-то политическую роль в тогдашней Греции, предотвратив. согласно традиции, надвигавшуюся войну между Агригентом и Сиракузами. Сочинял он пеаны, дифирамбы, гипорхемы, эпиникии и трены — погребальные плачи. Именно ему довелось первым прославить победы греков в войнах с персами. Особой легкостью стихосложения, ясностью повествования отличались эпиникии Вакхилида. В сравнении с одами его соперника, величайшего хорового лирика Греции Пиндара, произведения Вакхилида кажутся банальными, но и они не лишены поэтического обаяния. Прекрасную балладу напоминают его дифирамбические песни об Антеноридах, Геракле, Тесее, герое Идасе, несчастной возлюбленной Зевса Ио — истинные шедевры «кеосского соловья». А фрагмент стихотворной молитвы братьям-героям Диоскурам, в котором поэт призывает их к себе на скромный домашний пир, предвосхищает поэзию Горация:
Ни бычьего мяса здесь нет,
Ни золота, ни багряниц, —
Зато есть приветный дух
И сладкая Муза,
И доброе вино в беотииских чашах…
В самых разных жанрах хоровой лирики творил и Пиндар. Его эпиникии, обращенные к победителям игр, показывают, каких высот композиции и стиля можно было достичь в этом жанре, ставшем уже каноническим. Композиция опирается на традиционную четырехчленную схему, включая в себя элементы: энкомиастический (похвала герою и его родному городу), гимнастический (восхваление мифологического покровителя этого города), гномический (замечания хора, содержащие различные наставления) и мифологический (предание, относящееся к истории места проведения игр. или родного города победителя, или к его собственному происхождению); впрочем, не всякий эпиникий содержал все эти элементы, менялась и их последовательность. Но каждый из них имел свою традицию, подобающий ему стиль. Важной частью были гномы — сентенции на те или иные темы: их нетрудно найти и у предшественников Пиндара — Стесихора, Симонида, причем чем оригинальнее, свободнее мыслил поэт, тем своеобразнее был гномический элемент его песен.
Класика
Трагические поэты должны были быть и превосходными музыкантами. Особенно славились прекрасными, сладкозвучными мелодиями трагедии Фриниха. Свободой и разнообразием композиции отличаются также лирические, хоровые партии у Эсхила. Зато в трагедиях Софокла элемент музыкальный не играет значительной роли: музыка лишь сдерживала бы живое, динамичное развитие действия. Однако и Софоклу удавалось добиться в хоровых партиях редкого совершенства мелодической структуры. Еврипид в известном смысле восстановил музыку в ее правах на сцене, но не путем усиления хора, а тем, что актеры исполняют большие сольные арии; хоровые же партии были очень мало связаны с действием драмы, производя чисто музыкальный эффект. Сольные арии у Еврипида, исполненные экспрессии, требовали немалой виртуозности в исполнении, что вело к профессионализму и выделению театральной музыки в особый вид творчества.
Елінізм
Аристоксен досліджував музику
Значення музики в сучасному культурному житті греків.
Греческая народная музыка
Лекция Неархоса Георгиадиса..
Неархос Георгиадис - специалист по греческой народной музыке. Родился на Кипре, в Афинах получил юридическое и режиссерское образование. Во время учебы в Греции заинтересовался народной музыкой. В 1965 г. по его инициативе была создана первая группа из пяти человек по изучению народной городской музыки. Неархос знакомился с музыкантами, устраивал их концерты. В 1966 г. появились первые публикации на эту тему, читались лекции. Во время диктатуры "черных полковников" некоторые члены группы были арестованы (народная музыка в то время не приветствовалась властями, т.к. призывала к протесту). Но остальные продолжали изучение музыки и даже устраивали концерты.
В дальнейшем из этой первой группы возникли и другие. Народная городская музыка остается очень популярной в Греции и на Кипре по сей день. По возвращении на Кипр Неархос Георгиадис работал на телевидении и продолжал свою исследовательскую работу, в том числе издание книг.
Неархос Георгиадис рассказывает:
Греческая народная песня (многие называют ее рембетико) вызывает последнее время интерес не только в Греции. Ее изучают во многих университетах Европы, США, Австралии. Многие студенты, пишущие диссертации по этой теме, обращаются ко мне за помощью. Как древнегреческая культура основывалась на эпических поэмах Гомера, так современная греческая культура основывается на греческой народной песне. Я не сомневаюсь, что в будущем их будут признавать и изучать как сегодня поэмы Гомера.
Во многих странах (в Финляндии, Швеции, Австралии, США) существует не просто теоретическое изучение этой музыки, но и живое ее исполнение группами, которые играют на бузуки (греческий народный инструмент, напоминающий мандолину). В одном документальном фильме греческого режиссера я видел финские группы, которые раньше играли джаз или свою этническую музыку, а теперь играют греческую народную музыку, используя бузуки.
У иностранцев сегодняшняя Греция ассоциируется с Парфеноном и бузуки. Я спрашивал музыкантов, почему они так любят играть на бузуки, а не на скрипке или фортепьяно? Они отвечали, что на этом инструменте можно одновременно играть мелодию и держать ритм. Бузуки можно легко сочетать с другими инструментами: гитарой, аккордеоном, фортепьяно. Бузуки передает мелодию тонко и скромно.
Иногда в начале и часто в середине песен слышны отдельные музыкальные фразы разных инструментов в стиле импровизации, то есть таксими . Это своего рода введение в атмосферу песни, которое задает ее тему. Затем идет мелодия, как правило, танцевальная. В Греции принято, что люди встают и танцуют.
Танец хасапико (мясников) распространен на Балканах. В Сербии его можно встретить как сербский. В Румынии его же называют "хора". Русский казачий танец тоже родственен этому ритму. В византийское время в Константинополе было много мясников. В 800-1000 гг. н.э. мясники Константинополя, как и люди других профессий, создавали свои профессиональные группы. В группу мясников входили многие национальности: греки, сербы, албанцы, румыны, влахи. Раз в год они устраивали свой праздник. Собирались сотни мясников, вставали в круг и танцевали. Хасапико - один из основных ритмов греческих народных танцев.
Другой танец - зейбекико. Зейбеками называли партизан, которые жили на территории Малой Азии. Они носили короткие штаны, чтобы показать, что у них светлые ноги и они не турки. И они надевали несколько фесок одна на другую для отличия от турок. На поясе они носили очень много оружия. Правители Османской империи уничтожали зейбеков, а греки Малой Азии их любили и переняли их танец.
Рембетико - это классический этап развития греческой народной городской песни. Рембетис (от древнегреч. - мотаюсь, скитаюсь) - это человек, который без особого смысла мотается по жизни, без цели. Он живет беспорядочно. Он не ведет хозяйство, не может жить только с одной женщиной, не хочет каждый день ходить на работу. Он любит петь, танцевать, курить кальян, устраивать драки. Такие привычки появились в османское время.
Иногда рембетис назывался даис (от турец. - удалой, бравый парень) - тот, кто решал проблемы силой, не обращаясь к властям. В других случаях рембетис назывался мангас (от испан. - группа вооруженных людей), или клефтис ("вор", партизан). Во время греческой революции мангасы становились партизанами. Часто рембетис являлся бербандисом (от турец. - бабник), поэтому понятно, что многие песни имеют любовную тему.
Еще один ритм - цифтэтэли - эротический танец. Он развился из танца живота. Когда одна женщина танцует, она привлекает внимание и приглашает какого-то мужчину. Когда танцуют мужчина и женщина в паре - это имитация любви. Цифтэтэли берет свое начало от древнего танца кордакас. В древней Греции запрещалось танцевать его публично. За нарушение могли арестовать. Раньше цифтэтэли часто приводил к дракам, если к женщине подходил чужой мужчина. Сегодня мы стали европейцами и танцуем все вместе, без драк.
Большинство греческих народных мелодий - танцевальные (95 песен из 100). Дело в том, что профессиональные музыканты играли на праздниках, свадьбах, в музыкальных кофейнях, тавернах, ресторанах. И в интересах исполнителей было, чтобы людям нравилась музыка, чтобы они вставали, танцевали, заказывали любимые мелодии и соответственно за них платили. И заказывали и платили не раз!
Один из основных ритмов, на котором основаны народные песни, - сиртос. Это самый древний танец. Первый танцор ведет остальных. Это основной групповой танец, который греки исполняют на свадьбах. На древней керамике вы можете увидеть воинов, которые танцуют сиртос. Сохранилась надпись (примерно 300 г. н.э.), где говорится, что сиртос -самый патриотический танец.
Греческие народные песни воспевают все сферы человеческой жизни. Шло время, и менялись темы. В 20-е гг. основной герой был беженцем из Малой Азии. В 30-е гг., во время экономического кризиса в Греции, герой песен - рембетис. В 40-е гг., во время фашистской оккупации, в центре внимания - партизан. Позже, во времена гражданской войны, песни говорят о борьбе против государственной армии. В 50-60-е гг. герой -рабочий. Смена общественных условий, взглядов людей и их проблем находила отражение в народных песнях. И, конечно, всегда популярными оставались песни о любви.
Самый известный певец народной песни - Казандзидис. Он умер два года назад. Многие писали для него стихи и музыку. У него был очень специфический баритон. Его нельзя назвать рембетис. Он беженец. Сначала работал на заводе рабочим, затем начал петь. Поэтому у него много песен о рабочих. В одной из них, например, говорится, что рабочий тоже человек. Он тоже хочет жить. Богатые люди должны ценить и уважать рабочих. В 50-е гг. после гражданской войны у него появилось много песен о дружбе с арабами и азиатами. А также о греках, которые вынуждены были эмигрировать в Германию, Америку, Австралию и другие страны в поисках работы.
Другая известная талантливая певица Иоанна Георгакополу профессионально поет с 1938 г. Сегодня ей 80 лет, и она продолжает петь в тавернах.
ВОПРОСЫ:
Существуют ли крестьянские песни, связанные со сбором урожая?
До XX в. Греция являлась аграрной страной. Но много греков жило в городах, таких крупных, как Константинополь, Измир, Салоники. В то время Константинополь был одним из самых крупных городов Европы. В городах стала развиваться народная городская песня. Она лучше по качеству, т.к. в городах ее сочиняли профессионалы. С индустриальной революцией культурная жизнь сосредоточилась в городах. Крестьянские песни, конечно, тоже есть. Они записываются и исполняются, но они не так распространены. Городские песни слушают и в деревнях, и в городах, а деревенские не пользуются такой популярностью в городе.
Изначально народная песня имеет под собой психологическую или социальную основу?
Это социальное явление. С самого начала - это нежелание подчиняться турецким властям. Это социальный протест. В деревнях протестовали клефтес и арматоли ( вооруженные люди), а в городах - рембеты. Рембетис не любит подчиняться не только законам, но и социальным нормам. Обычный грек, например, пойдет в церковь, а он пойдет в таверну. Рембетис выказывает нелюбовь к общественным правилам, держа в одной руке бузуки, а в другой - четки. Если к нему обращается человек, обличенный властью, он выражает свое пренебрежение, крутя четки.
Популярна ли народная музыка в Греции сегодня? Слушает ли ее молодежь?
Конечно, молодежь очень часто слушает эту музыку. Грек не может не любить греческую народную музыку. Я ежедневно выступаю на радио с музыкальной программой и провожу маленькие исследования, чтобы определить, что нравится и что не нравится молодым людям и их родителям. Очень часто молодежь на Кипре слушает рок и другую современную музыку. Но когда они уезжают учиться в Англию, Америку, Австралию, Россию, Чехию, у них появляется ностальгия. И они начинают больше слушать народную греческую музыку. В ночных клубах Греции и Кипра обычно до полуночи слушают европейскую музыку, а после - греческую. Под эту музыку могут танцевать все, вне зависимости от возраста. Мы организуем такие концерты на Кипре, где танцуют вместе люди от 5 до 90 лет.
Расскажите о восточном влиянии на греческую музыку.
Греческая народная музыка вобрала в себя ритмы и мелодии всех соседних стран. В ней звучат отголоски арабской, индийской и даже латиноамериканской музыки. Но нельзя сказать, что народная песня - это восточная песня. Музыканты создавали репертуар для многонациональных слушателей. И конечно, на их песни влияли и турецкие, и арабские мелодии, но в той же мере и итальянские, балканские и даже африканские. Когда в Греции показали индийское кино, многие восприняли и это влияние. Националисты думают, что это плохо для греческой песни. Но я считаю, что сила песни именно в том, что она может вбирать в себя все лучшее из таких разных культур.
Расскажите об объединении рембетико с другими жанрами.
Такое явление существует. Вот, например, ча-ча-ча, исполненный на бузуки.
Расскажите про греческую поп-музыку.
В Греции ее называют скиладико (собачьи) песни. Народная песня - это произведение искусства, потому что профессиональные музыканты, которые их писали, доводили свое мастерство до технического и эстетического совершенства. Сегодня тысячи людей играют на бузуки. Любой может научиться играть и сочинять музыку. Поэтому скиладико-песни, как правило, лишены качества и смысла. Они очень быстро исчезают. Некоторые живут всего один вечер. Часто можно услышать подражание зарубежным музыкантам, например Мадонне. Для Америки Мадонна оригинальна, а греческая имитация - это всего лишь имитация. Собачьими эти песни называются потому, что в них нет смысла, а исполнение похоже на завывание.
Сегодня День музыки. Сегодняшняя встреча приурочена к этому дню?
Для греков каждый день - День музыки.
Есть такая песня о пяти греках, которые устроили переполох в аду. Они там встретились, начали веселиться и все разбили. Все мертвые встали и тоже стали танцевать.
Перевод: Афанасий Авгеринос.
Записала: Наталья Годунова
