- Постимпрессионизм Винсента Ван Гога, Поля Сезанна и других.
Художники этого направления, уходя от академического изображения реальности (реализма вживописи), так же отказываются от поиска выражения сиюминутных впечатлений (творчества импрессионистов). Они уже стремятся изображать самые основные, "главные" элементы окружающего мира. Постоянно конкурируя за способы выражения с меняющимся импрессионизмом (существующем параллельно), художники-постимпрессионисты прибегают даже к декоративной стилизации. В отличие от породившего их импрессионизма, они не ограничиваются поиском способов взгляда на реальность, а идут дальше - выражая увиденное не тождественным реальности взглядом, постепенно отказываясь от реализма. После множества экспериментов и формируются направления сложившиеся в постимпрессионизм, а сами направления со временем породят разнообразие стилей модерна (Модернизм)
Свои работы Ван Гог писал очень быстро, в отличие, например, от Сезанна — порой по две картины в день. Иногда он не поспевал за своим вдохновением и потому даже не использовал кисти, а накладывал краску пальцами. Художник создал огромное количество работ, из которых сохранилось около 800 работ маслом, не говоря уже о графике. При этом он, естественно, писал с натуры, но находил и некоторое время на обдумывание работы: вначале он выбирал мотив, а потом возвращался к нему с красками, вследствие чего натура в его работах преображается. Он никогда не переписывал свои картины, а если его что-то не устраивало, то рисовал второй вариант того же самого мотива. В этом еще одно его отличие от Сезанна, который очень часто уничтожал свои работы.
У Ван Гога очень интересный мазок. Мазком разной формы и разного размера писали импрессионисты, но мазок Ван Гога иной: он часто очень подвижный и напоминает штрих. То есть он часто рисует, а не пишет цветом, стремясь передать скорее внутреннее движение, движение психологического характера. В «Красных виноградниках в Арле», как и в других его произведениях, очень интересно выстроено пространство: оно показано как бы сверху, в некой сферической перспективе.
Сезанн В 1874 и 1877 гг. он участвовал в выставках импрессионистов. Но вскоре под влиянием Э. Золя, советовавшего «живописцам впечатлений» обратиться к более значительным темам, Сезанн заявил о своём намерении «сделать импрессионизм чем-то более основательным и постоянным».
Художник обладал особым цветовым и пространственным видением, на основе которого создал к 1880 г. новую живописную систему, стремясь передать в своих картинах не мимолётные впечатления, но конструктивную основу мира. Уже ранние работы нарушают законы прямой перспективы: все линии в пространстве искривлены, предметы предстают преувеличенно весомыми и объёмными, а пространство – сферическим.
- Искусство Западной Европы рубежа XIX —XX вв. и стиль модерн (Эмиль Антуан Бурдель, Майоль, Густав Климт, Альфонс Муха).
МАЙОЛЬ, АРИСТИД
МАЙОЛЬ, АРИСТИД (Maillol, Aristide) (1861–1944), французский скульптор, мастер декоративного искусства. Родился в Баньюль-сюр-Мер (Руссильон) 8 декабря 1861. Учился в Школе изящных искусств и Школе декоративных искусств в Париже, занимался рисунком и живописью в классе Александра Кабанеля. В 1899 ухудшение зрения заставило его обратиться к скульптуре. В созданных Майолем памятниках, в частности Бланки, Сезанну, Дебюсси и павшим в Баньюле, физическая красота аллегорических женских фигур воплощена с большим вниманием к объему и структуре, равновесию и гармонии.
Майоль часто обращался к женским образам. Его произведения всегда отличались высоким уровнем исполнения. Его работы противоположны эмоциональности и импрессионизму произведений Родена и его последователей. Умер Майоль в Баньюль-сюр-Мер 27 октябр
БУРДЕЛЬ, ЭМИЛЬ АНТУАН
БУРДЕЛЬ, ЭМИЛЬ АНТУАН (Bourdelle, Emile Antoine) (1861–1929), французский скульптор. Родился в Монтобане 30 октября 1861. Учился в Школах изящных искусств в Тулузе (1876–1884) и Париже (1884–1886). Работал в мастерских Ж.Фальгьера и Ж.Далу, стал учеником и помощником Огюста Родена. Его первая работа – Памятник павшим в Монтобане (1893–1902).
Наделенный огромной творческой энергией, Бурдель иногда в своих работах прибегал к казавшимся уже устаревшими формам и идеям (статуя Эльзасской Мадонны, 1922, выполнена им в псевдоготическом стиле) или к нарочитому искажению пропорций с целью усиления образного эффекта, как в Умирающем кентавре (1914). Художник увлекался искусством Древней Греции, особенно эпохи архаики и ранней классики. Образы древнегреческой пластики вдохновили его на создание таких произведений, как Геракл, стреляющий из лука (1909), Пенелопа (1909–1912), Сафо (1924–1925). Бурделю принадлежат памятники К.Альвеару в Буэнос-Айресе (1915–1923) и А.Мицкевичу в Париже (1909–1929); ему удалось с поразительной чуткостью уловить наиболее существенные черты личности каждого из них. Бурдель является также автором портретов О.Родена (1909), О.Пере (1910-е годы), А.Франса (1919).
МУХА, АЛЬФОНС (Mucha, Alfons) (1860–1939), чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши в стиле модерн.
Родился в Иванчице (Моравия) 24 июля 1860. Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. Состоял придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия). Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р.Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.
Выдвинулся своими афишами для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра С.Бернар (Жисмонда, 1894; Дама с камелиями А.Дюма-сына, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по мотивам Еврипида, 1898). Частично выступал и как дизайнер этих постановок: по его эскизам создавались не только платья, но и сценические ювелирные украшения. Вошел с этой поры в число ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах либо в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги. В том же «стиле Мухи» создавались и красочные графические серии (Времена года, 1896; Цветы, 1897; Месяцы, 1899; Звезды, 1902; все работы – акварель, тушь, перо), которые до сих пор тиражируются в виде арт-постеров.
Собрал свои дизайнерские проекты (панно, витражей, ковров, мебели) в альбоме Декоративные документы (1901). Работал как книжный иллюстратор, исполнил декоративную живопись павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже (1900; не сохранилась) и Дома собраний в Праге (1910), нарисовал эскизы первых чехословацких почтовых марок и банкнот (1918). В 1913–1930 написал большой цикл Славянская эпопея (музей замка Моравски Крумлов); традиционно-академическая манера соединилась в этих полотнах, посвященных начальным главам истории чехов, поляков, русских и других народов Восточной Европы, с плоскостной ритмикой модерна. После Первой мировой войны перебрался на родину.
г устав Климт – один из самых загадочных художников, главная отличительная особенность которого – уникальный индивидуальный стиль. В развитии своей художественной манеры он прошел путь от академизма к собственной, декоративной манере.
Художник воспитывался в небогатой семье, поэтому возможности получить образование в престижном учебном заведении у него не было. Первые шаги на этом поприще Густав делал под руководством отца, который был гравером. Затем Климт продолжил обучение в художественно-ремесленном училище.
На раннем этапе Климт придерживался принципов академической живописи. В его работах преобладал натурализм. В этот период живописец работал над фресками, росписями для различных архитектурных сооружений вместе с братом.
Творчество раннего периода не позволяет говорить о формировании индивидуального стиля. Первые черты будущей декоративной манеры начинают проявляться позже, когда Климт начинает работать в одиночку. Однако некоторые элементы заметны уже на этом этапе: орнаментализм, четкие линии.
В 90-х годах художник активно занимается пейзажами. Однако даже в этом жанре работы Климта подчеркнуто декоративны, детальны.
Значимым этапом в творчестве Климта стало создания картин «Медицина», «Философия», «Юриспруденция». Критики назвали эти работы порнографическими. Действительно, эротизм, свойственный многим работам художника, впервые так явно проявился именно в них. Следующим полотном, которое поразило публику, стала работа «Голая правда».
Начало 20 столетия – «золотой» период в творчестве Климта. Такое название связано не только с расцветом художественного мастерства, но и с главной особенностью техники – использование позолоты в работах. К этому периоду относятся картины «Дворец Афины», «Юдифь», «Поцелуй». В полотнах нередко появляется мозаика, черты стиля ар-нуво. Главные героини картин Климта всегда женщины. Даже если мужчины и появляются на полотнах, они всегда малозаметны, показаны недостаточно ясно.
Постепенно художник отходит от подчеркнутой декоративности и начинает уделять большое внимание цвету. Однако обновленный стиль он выработать не успел.
Символизм – основная черта выдающихся работ Климта. Отвлеченные понятия и символы аллегорически представлены в его полотнах. Игра с линиями, причудливые орнаменты, свобода выражения мыслей и создания образов – те характеристики, которые выделяют творчество Густава Климта в ряду работ других художников
